Дек 9, 2024

Огромное значение оказала на современников музыкальная атмосфера Венеции в 16 веке, творчество композиторов и музыкальных теоретиков, работы художника Джорджоне и его последователей в портретах музыкантов и в концертных сценах.

Вазари пишет в жизни Джорджоне, что он «услаждался игрой на лютне столь усердно и со столь удивительным искусством, что его игра и пение почитались в те времена божественными, и потому благородные особы нередко пользовались его услугами на музыкальных и иных собраниях». Следовательно, Джорджоне был художником-музыкантом, он любил играть на лютне и петь на музыкальных собраниях венецианских дворян и за это его приглашали. Самая непосредственная ссылка на пасторальную и музыкальную идиллию, в которой встречаются имена Джорджоне и его ученика Тициана, известный Концерт в Лувре, датируемый 1509 годом.

В великолепной картине доминирует нежное и освежающее присутствие пейзажа, которое предполагает особую возвышенную любовную близость в соответствии с уроками теоретиков платонической любви эпохи Возрождения — Пьетро Бембо в Асолани и Леоне Еврей в Диалогах о Любви. В идиллической обстановке лютня появляется в первый раз в живописи, городской инструмент влюбленных связывает женщин с интересами молодых мужчин. Музыка была важной частью образования венецианских дворян и необходимостью для будущих придворных, как говорится в Придворном Бальдассара Кастильоне.

Долгое время картина не имела названия, она была в коллекции Гонзага, предполагают, что приобрела ее Изабелла Эсте. Среди многих гипотез о сюжете картины распространена музыкальная — музицирующие юноши в костюмах венецианских патрициев и обнажённые женские фигуры — нимфы— находятся в двух различных мирах, они не видят друг друга, и поэтому не взаимодействуют. Нежный идеальный пейзаж символизирует гармонию, где «дриады, наяды и нимфы одушевляют собой источники, леса, поля и луга…» Одна из них — со свирелью в руках напоминает об обнаженной флейтистке на рельефе Трона Людовизи (обнаружн в 1887 году на месте бывших садов историка Саллюстия в Риме, видеть его не могли в 16 веке).

В работе не важен реализм инструментов и их правильное использование — молодой человек в шляпе с лютней без струн, а левая рука вверху, как если бы он перебирал струны, которых нет. Инструмент фактически «теряется» рядом с богатым красноватым шелковистым рукавом, обнаженная женщина держит флейту, как ручку, а корпус инструмента тонкий и ничем не примечательный. Джорджоне заинтересован в пробуждении музыкальной гармонии через музыкальность цвета, через его мелодическую вибрацию в идиллическом и сказочном ландшафте. Любовная мечта развивается через гармонию противоположностей: две обнаженные женщины являются выражениями природы, возникают из нее, в то время как два молодых джентльмена — образованная и далекая цивилизация. Сидящая обнаженная женщина, которая только что сыграла свой любовный призыв, хотела привлечь к себе внимание двух молодых людей, пригласить их в мечту. Молодые люди только что закончили свою музыкальную пьесу, похоже, восхищены своей музыкой, их отвлекает неотесанный грубый пастух, играющий на флейте.

Стоящая обнаженная женщина, льющая воду в колодец, указывает на стремление к целому, к полной гармонии через контрасты и противоположности. Вокруг доминирует пейзаж в его компактной, мягкой свежести, в солнечном и музыкальном свете дождливого дня. Источник на картине Джорджоне осеняет зелень лавра — символа поэтической славы. Плавное, замедленное движение нимфы завораживает изяществом и неясностью («то наполняют они кувшин плещущей влагой, то выливают её…» (популярный в то время поэт Джованни Понтано). Царит магическая тишина природы: лютнист ещё не коснулся струн, а свирель ещё не поднесена к губам нимфы… Спустя несколько лет Тициан повторит фигуру нимфы в картине Любовь земная и любовь небесная, развивая настроение поэзии Джорджоне и тему источника.

По другой версии стоящая нимфа с кувшином — муза трагической поэзии, а сидящая с флейтой— муза пасторальной поэзии. Из двух играющих мужчин один с лютней представляет возвышенную лирическую поэзию, а другой — обычного поэта, в соответствии с разграничением в трактате Аристотеля Поэтика. Ещё одна версия — картина является Аллегорией четырёх элементов природы (воды, огня, земли и воздуха) и их гармонической взаимосвязи.

Две картины, традиционно считающиеся парой, впервые появились в описи коллекции Кардинала Боргезе в 1633 году как две работы Джорджоне. До сих пор спорят об авторстве, о стиле позднего периода Джорджоне, после приезда Дюрера в Венецию в 1506- 07 гг, которыми датируют работы в Галерее Боргезе.

В 19 веке считали авторами Джованни Беллини и Доменико Каприоло, теперь вернулись к аттрибуции Джорджоне.

Художником, который много работал с музыкальным жанром в Венеции и Ломбардии был Джованни Бузи, известный как Кариани. Художник был назначен в 1517 году помощником одного из руководителей Венецианской школы художников. Под влиянием Джорджоне сделал Портрет лютниста, намеревающегося играть, и Концерты – лютнист в центре намерен играть и петь, два персонажа сопровождают его пением.

Молодой человек смотрит на нас, передает музыкальные образы, мечтательность, кажется, он спрашивает слышим ли мы его музыку? В этом особенность картины, музыка как остановка реальности предназначена для нескольких внимательных слушателей. Взгляд молодого человека, хотя и немного мечтательный, делает картину реальной.

В Венеции развивается теория музыки с работами композитора и педагога Джозефа Зарлино — Основы гармоники и Доказательства гармоники. Основные тексты теории музыки, распространенные практически по всей Европе, которые знали все образованные люди.

В Основах Зарлино объясняет, что музыка — это знание, основанное на количественной оценке голосов и звуков, а Доказательства объясняют систему тональности мажорных и минорных гамм. Его полифонические мотеты немногочисленны, но демонстрируют мастерство Зарлино в технике музыкального контрапункта, полифонические, многоголосые мадригалы опубликованы между 1549 и 1599. Мотеты — вокальное многоголосное произведение, главный жант музыки западного Средневековья и Возрождения. «Этот вид музыки не следует представлять в присутствии простого народа, который не способен оценить его изысканность и получить удовольствие от слушания. Мотет исполняется для образованных людей и вообще для тех, кто ищет изысканности в искусствах (Иоанн де Грокейо, XIII век).

Интересно сравнение, которое Зарлино делает между художником и музыкантом, заявляя, «как художник должен уметь объяснить свою работу и не беспорядочно использовать цвета, так и музыкант должен знать, как организовать свою композицию и лучше гармонизировать ноты». Сравнение живописи и музыки, сделанное Зарлино, подходит для Венеции, поскольку теоретик очень хорошо знал — художники имели музыкальные интересы — не только инструменты и ноты, но и музыкальные книги часто присутствовали в живописных мастерских.

Отношения между двумя искусствами музыкой и живописью становится интенсивным и гармоничным в эпоху Возрождения, о чем сообщает Джорджио Вазари. Леонардо да Винчи «некоторые усилия потратил и на познание музыкальной науки… решил научиться игре на лире, и вот, как человек, от природы наделенный духом возвышенным и полным очарования, он божественно пел, импровизируя по ее сопровождение» (Джорджио Вазари). Знаменитый архитектор Браманте «любил поэзию и с удовольствием слушал импровизации под лиру. Импровизировал и сам и сложил несколько сонетов, если и не таких тонких, как это сейчас принято (Вазари писал через 60 лет после смерти Браманте), но все же довольно строгих и погрешностей не имеющих».

О венецианце Себастьяно дель Пьомбо, ученике Джорджоне, Вазари писал: «Вовсе не живопись, а музыка была первой профессией Себастьяно, не говоря уже о пении, он получал большое удовольствие от игры на инструментах самого различного вида, в особенности же на лютне, так как на ней могут быть сыграны все голоса без всякого другого сопровождения. Благодаря этому занятию он пользовался величайшим благоволением венецианской знати, с которой он в качестве виртуоза в этом искусстве всегда стоял на самой короткой ноге».

Многие художники изображены в качестве музыкантов, такие как Софонисба Ангиссола, Лавиния Фонтана и Артемизия Джентилески. Аллегорический портрет трех дочерей художника Сирани (все стали художницами) в виде Трех сестер-искусств Живопись, Музыка и Поэзия, в виде Муз с типичными атрибутами. Круговая композиция картины, гармоничное равновесие воспроизодит классическую идею о единстве искусств.

Венецианец Винченцо Галилей, теоретик музыки, лютнист и отец великого физика Галилея и лютниста Микеланджело, принадлежащего флорентийской Камерата деи Барди, в 1581 году написал важный и известный трактат Диалог античной и современной музыки. Он описывал стратегии, принятые древними в области музыки, утверждая концепцию декорума, которая лежала в основе. Декор (украшение) означает, что «каждый возраст, каждый пол и тип человека должен проявлять в живописном изображении свой собственный характер»; и задача художника — «скрупулезно придать каждой фигуре самое подходящее телосложение, жест, осанку и выражение», точно так же музыкант в пении … « с акцентами и жестами, с количеством и качеством звука, и с тем ритмом, который соответствует такому характеру персонажа» (Галилей, 1581). Гармония и декор — два основных общих аспекта живописи и музыки.